Impressionnistes & Post-Impressionnistes

Juliette, 1948
Huile sur toile
Dimensions : 33 x 24 cm
Signée en bas à droite
Reproduit sous le n° 571, page 94 du catalogue raisonné de l’oeuvre de Louis Neillot.
N° Inv. 1169LN

Prix : 1.300 €

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Né le 10 février 1898 à Vichy (Allier). Mort le 24 décembre 1973 à Paris. Peintre de nus, paysages, natures mortes, fleurs, aquarelliste, illustrateur. Mobilisé très jeune au cours de la guerre de 1914-1918, il commença à exposer, à partir de 1920, à Paris, aux Salons des Indépendants, dont il devint vice-président; d’Automne, dont il fut sociétaire; des Tuileries, dès sa fondation. En outre, il a participé aux expositions des Artistes du Temps Présent, au musée du Petit-Palais ; à l’exposition de 1937, à l’occasion de l’Exposition Universelle de Paris, il fut membre du jury. Il montrait des ensembles de ses peintures dans des expositions personnelles, à Paris, Chicago, Los Angeles, New York, Detroit, Cologne, etc. En 1932, il avait obtenu le Prix Blumenthal. Il eut une carrière d’illustrateur féconde : Fables de L. Mirande ; Sans rime, mais non sans raison de F. Clar ; Le Sel de la terre et Les Anges noirs de Raymond Escholier ; Les Chemins des cercles de Raymond Roussel. Peintre, son œuvre se partage entre de nombreux paysages de son Bourbonnais natal, des natures mortes parfois de fleurs et fruits, et des nus. Au cours de son évolution, Louis Neillot est resté attaché à la recherche des structures inscrites dans la nature, dans leur transposition en peinture à concilier équilibre et dynamisme, dans l’exploitation de la couleur à faire la part du symbolique et celle de l’expressif.

(E. Benézit – Dictionnaire des peintres, sculpteurs, dessinateurs et graveurs)

Les œuvres de Louis Neillot sont présentes dans de nombreux musées français et étrangers.

Sur la route de Roquebrune
Aquarelle sur papier
Dimensions : 34 x 48 cm
Signée en bas à droite
Authentifiée au dos
N° Inv. 841ADDS

Prix : 2.300 €

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André Dunoyer de Segonzac est né à Boussy-Sainte-Antoine (Essonne) en 1884. A partir de 1900, il sera élève dans différentes écoles, publiques ou privées, fréquentera plusieurs ateliers (Luc Olivier Merson, Jean-Paul Laurens), travaillera à l’Académie de la Palette (1905). Dunoyer de Segonzac travaille seul à partir de 1906. Deux ans plus tard, il expose dans des Salons parisiens (Salon d’Automne, Salon des Artistes Indépendants). En 1908, il loue une maison appartenant à Paul Signac et découvre les paysages de St Tropez, village au bord de la Méditerranée auquel il restera fidèle et où il vécut, à la belle saison, jusqu’à la fin de sa vie.
L’artiste mènera pourtant une vie nomade à la recherche du motif, surtout à travers l’Ile de France. Dunoyer fait la connaissance de Max Jacob, de Dufy, de Vlaminck. Il voyage, visite l’Italie, l’Espagne, l’Afrique du Nord (1913). Sa première exposition personnelle est organisée en 1914 à Paris. La guerre le prend ; il est affecté, comme nombre d’artistes, dans une section qui vient d’être créée : le camouflage. Il ramène de la guerre un travail important et de saisissantes études.
Son oeuvre, dans l’immédiat après-guerre, est de nouveau présente dans les principaux Salons parisiens. Dunoyer de Segonzac se forme, en 1919, à la gravure à l’eau-forte afin d’illustrer « Les Croix de bois » de Roland Dorgeles ; d’une habileté instinctive, il devient très rapidement maître de la technique. Il réalise, en 1920, ses premières aquarelles. Ces deux nouveaux volets de son activité artistique tiendront désormais une place primordiale dans l’ensemble de son oeuvre.
En 1921, il se lie avec Valéry, Léon-Paul Fargue, Larbaud, Jean Cocteau. Il achète à St Tropez, avec Villeboeuf et Luc-Albert Moreau, une propriété qui appartenait à Camoin. En 1930, naît son amitié avec Derain. Dunoyer voyage encore (Amérique, Allemagne, Autriche, etc.). Il expose en France et à l’étranger, reçoit des prix, dont le prix de la Biennale de Venise en 1937. Son travail obtiendra un succès constant qui ne se démentira jamais, non seulement de son vivant, mais également après sa mort par l’organisation d’un très grand nombre de rétrospectives posthumes.
Dunoyer de Segonzac a réalisé des décors et costumes pour le théâtre, a illustré de très nombreux ouvrages littéraires (Carco, Dorgeles, Tristan Bernard, Paul Morand, Jules Romains, etc.). Il a en outre beaucoup publié, notamment ses gravures à l’eau-forte. L’oeuvre de Dunoyer de Segonzac est multiple, multiple techniquement puisque partagé entre dessins, gravures (environ 2000), illustrations, aquarelles, peintures (peinture qu’il ne pratiquera plus qu’épisodiquement à partir de 1925), mais aussi multiple esthétiquement parce que sous ses diverses matérialisations se sont exprimées des conceptions plastiques différentes.
André Dunoyer de Segonzac est mort à Paris en 1974. Il repose à St Tropez.

L’étang de Claye
Huile sur toile
Dimensions : 60 x 73 cm
Signée en bas à gauche
Provenance : Ancienne collection du peintre Jules Emile Zingg

# 1541-2

Prix : 2.400 €

Pierre Dubreuil : Peintre et graveur français 

(Quimper 1891-Paris 1970). 

Après des études classiques à Vannes, il vint à Paris recevoir les conseils d’Henri Matisse (1908) qui lui fit connaître les fauves et les cubistes, Il a participé à la renaissance de la tapisserie (Gobelins Aubusson) et a exécuté des peintures murales à l’École Nationale de Navigation (Paimpol). Président de la Société des Peintres et Graveurs français, il a été nommé Conseiller Technique à la Chalcographie (Musée du Louvre). Il pratique le plus souvent le burin pur. Ses thèmes préférés sont le nu et le portrait, les paysages d’eau, qu’il associe à des compositions équilibrées, sobres quant aux couleurs, Il a illustré notamment: La Chaumière Indienne de Bernardin de Saint-Pierre, la Nichina d’Hugues Rebell, les Sonnets pour Marie de Ronsard.

Grand Larousse encyclopédique en dix volumes, vol. 4, édition 1961 

Son Oeuvre:

L’œuvre de Pierre Dubreuil compte 900 à 1000 toiles, plus de 600 gravures (cuivre, bois, quelques lithographies), de nombreux dessins et aquarelles, quelques pastels, 20 cartons de tapisserie, une dizaine de statuettes. De nombreux tableaux acquis par l’État figurent dans divers musées de Paris ou de province. D’autres ont été acquis par le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, par le Musée de la Légion d’Honneur, ainsi que par les Musées de Tokyo, d’Alger, de La Haye, de Göteborg, de Genève, de Caracas, d’Amsterdam. 

Des tapisseries figurent également dans les musées de France et de l’étranger, ainsi que dans les collections du Mobilier national. 

Des gravures ont été acquises par la Chalcographie du Louvre, Bibliothèque nationale, ainsi que par des musées de Province. 

Eglise Bretonne
Huile sur toile
Dimensions : 54 x 73 cm
Signée en bas à droite

Provenance : Ancienne collection du peintre Jules Emile Zingg

# 1541-1

Prix : 2.400 €

Paris,  Notre Dame 1900
Huile sur panneau de bois parqueté
Dimensions : 46 x 38 cm
Signée, localisée et datée en bas à gauche

# 023

Prix sur demande

Frank BOGGS (Frank Myers Boggs) 1855 – 1926 (Américain – naturalisé Français et actif en France)
Peintre de paysages urbains, marines – aquarelliste – graveur – dessinateur
À Paris, il fut élève à l’école des Beaux-Arts puis exposa régulièrement au Salon des Artistes Français En 1885, il a exposé à New York et à Chicago en 1893 aux côtés des impressionnistes américains .Amoureux de Paris, de ses quais et de ses monuments il est attaché aux bords de la Seine. Insatiable admirateur des ports français et étrangers, il a multiplié les vues de ces sites dans des peintures solidement bâties, aux ciels balayés de nuages, souvent couverts. Ainsi F. Boggs peint en Normandie, en Bretagne, en Hollande, en Angleterre et à Venise . Ses motifs de prédilection sont les fleuves et les ports dont l’élément aquatique lui permet de suggérer les multiples nuances de l’atmosphère.
Il s’est également illustré avec ses aquarelles très appréciées.
Les oeuvres de Frank BOGGS sont présentes dans les Musées de : Boston, Montréal, Mulhouse, Nantes, New York, Niort.

Barques sur la grève à marée basse

Technique : Huile sur toile
Format : 36 x 77 cm
Signée en bas à droite
Circa : 1900
Bibliographie : Certificat d’authenticité de Monsieur Cyril Martin

# 1121

Prix sur demande

Comme le montrent ses premières toiles et ses académies, ce Toulousain fut d’abord un fidèle disciple de Jean-Paul Laurens (Paolo di Malatesta et Francesca da Rimini aux enfers, 1883, musée de Carcassonne). En 1885, un séjour en Italie lui fit découvrir des paysages lumineux et l’équilibre serein de Giotto, mais l’artiste vit aussi les tableaux des Macchiaioli et de Cremona et rencontra Segantini, dont la singulière technique vermiculée et vibrante l’a sans doute autant influencé que le pointillisme de Seurat. Martin peignit dès lors par petites touches hachées et parallèles. Il réalisa en 1889 sa grande évocation historique de la Fête de la Fédération (Toulouse, faculté des lettres), puis il se tourna vers le Symbolisme, exécutant de préférence des toiles allégoriques aux figures poétiques, aux apparitions célestes parmi des arbres vaporeux (Sérénité, le bois sacré, 1899, musée d’Orsay). Son désir d’expression mystique (l’Inspiration, 1895, musée d’Amiens) transparaît aussi bien dans ses beaux portraits symbolistes (Portrait de M^me Sans, 1895, Toulouse, musée des Augustins) que dans ses décorations murales aux allégories élégiaques (1893-1895, Paris, Hôtel de Ville, salon d’entrée sud). Il avait choisi Jean-Paul Laurens et Dampt pour incarner la Peinture et la Sculpture.

Henri Martin transformait ainsi la  » modernité  » en idées générales : Jean Jaurès et Anatole France devinrent aussi symboles dans les Bords de la Garonne (1906, Toulouse, Capitole) ou l’Étude (1908, Paris, Sorbonne).

Henri Martin s’est également intéressé à la vie contemporaine plus populaire, peignant des paysans (les Faucheurs, 1903, Toulouse, Capitole ; les Vendanges, 1925-1928, et le Labour, 1929, Cahors, préfecture du Lot), des ouviers (le Travail, 1914, Paris, Palais de justice) ou les promeneurs du dimanche (le Luxembourg, 1935, Paris, mairie du V^e arrondissement).

Ses œuvres sont alors de plus en plus marquées par le Fauvisme, et ses études de figures aux zébrures de couleurs pures ont une grande force (Gustave Charpentier, v. 1931, Paris, musée du Petit Palais). D’autre part, cet artiste fut un paysagiste très sensible aux couleurs et aux vibrations de sa terre languedocienne. Il a laissé de nombreuses évocations de villages perdus, de vieux clochers et de ponts croulants, en particulier des vues du gros bourg où il termina ses jours, de sa maison et de son jardin (le Village de Labastide-du-Vert, 1903-1909, musée de Lyon).

Champs de marguerites

Technique : Huile sur panneau de bois
Format : 32,5 x 61  cm
Signée en bas à gauche
Datée : 1909

# ID546

VENDU

Emmanuel de LA VILLÉON, né à Fougères en 1858, mort à Paris en 1944, s’installe à Paris en 1880 et suit les cours de I’Académie Julian. Ses premiers paysages sont encore proches de ceux de l’Ecole de Barbizon, mais un voyage en Hollande en 1889 détermine chez lui le choc tout impressionniste de la lumière : l’artiste s’oriente définitivement vers la peinture claire, vers ce chromatisme nacré, aux dominantes bleues et roses, qui lui est particulier. Son écriture en virgules, sa manière pointilliste de construire, prouvent l’ascendant qu’exercent sur lui, pendant quelque temps, Van Gogh et Seurat. Dans les premières années du siècle, il brosse en Bretagne, en Suisse, dans la Nièvre, des paysages solides et drus, dont les accords de tons d’une vigoureuse coloration disent l’admiration du peintre pour Cézanne. Bientôt son lyrisme s’atténue – et les toiles qu’il expose en 1910 montrent dans leurs variations savoureuses, tendres et nuancées, une poésie symboliste inspirée des vieilles légendes bretonnes. Dans les années 20, plusieurs séjours en Allemagne libèrent son romantisme latent : une atmosphère tourmentée l’emporte alors, dans son œuvre, sur la synthèse décorative. Puis il revient à sa quête d’harmonies imprévues, et naissent dans la maturité des œuvres d’une vigueur chaleureuse et flamboyante, d’un éclairage caressant qui toujours ordonne et maîtrise l’impétuosité du peintre.

Gérald SCHURR « Les petits maitres de la peintures, Valeur de demain  » Tome 3

Nu

Technique : Dessin au fusain et craie blanche
Format : 46 x 71 cm
Signée en bas à droite

# 1664

Prix sur demande

Le coteau à Saint Léonard des Bois

Technique : Huile sur toile
Format : 33 x 46 cm
Signée en en bas à gauche

# 1286

Prix : 950 €

Né à Paris en 1881, Auguste-Jean Claire devient dessinateur maquettiste en tissu d’ameublement et papier peint. Il affectionne la campagne dont il s’inspire car il y trouve matière à dessiner plantes, oiseaux et fleurs. En 1910, il découvre Saint-Céneri-le-Gérei.

Conquis par le village, il s’y installe en 1927 dans une maison qu’il fait construire en hauteur. L’escalier de 220 marches accède directement à la Sarthe. Il participe au salon des artistes français en 1931 et reçoit la médaille d’or hors concours en 1935. Plus tard, il devient maire du village (de 1946 à 1953) où il meurt en 1970.

De ses tableaux, on note : « Matins frais, splendeurs d’été, féeries d’automne, ciel d’orages, etc. Il a surpris tout ce que la nature réserve seulement à ses véritables amants. » Ses oeuvres ont été vendues à Paris, Le Havre, Nantes, Rouen, Détroit, Londres, Florence et Sao Paulo.

Le cabanon fleuri

Technique : Huile sur toile
Format : 46 x 65 cm
Signée en en bas à gauche

# 1287

Prix : 1.500 €

Sous bois

Technique : Huile sur toile
Format : 46 x 55 cm
Signée en en bas à gauche

#

VENDU

Cannes, Le Suquet

Technique : Huile sur panneau
Format : 11 x 19,5 cm
Cachet de la signature en bas à droite
Bibliographie : Certificat d’authenticité de Monsieur Philippe Lebasque, Petit fils de l’artiste en date du 18/10/1993

# 702

VENDU

Né en 1865 à Champigné (Maine-et-Loire), il suit un enseignement à l’Ecole des beaux-arts d’Angers, puis vient à Paris en 1886. Il s’inscrit à l’ Académie Colarossi et collabore avec Ferdinand Humbert aux fresques du Panthéon pendant six ans à partir de 1888. Henri Lebasque rencontre Pissarro et Renoir qu’il fréquente et qui auront une grande influence sur lui.

En 1893, Henri Lebasque rencontre Luce et Signac, et adopte pour quelques années le pointillisme. Vivant dans les années 1900 à Lagny, il peint les proches bois de la Marne. C’est à partir de sa découverte du Midi de la France que va s’opérer une transformation radicale dans sa peinture, modifiant sensiblement sa palette. Henri Lebasque continuera un temps à séjourner dans d’autres régions (Vendée, Normandie, Bretagne), mais son pays d’élection se situera entre Sanary et Nice. L’artiste représente les membres de sa famille dans des décors intérieurs ou extérieurs, des bords de rivière ou sur des plages, ceux où il séjourna longuement. Après Saint-Tropez, Sainte-Maxime, c’est finalement au Cannet qu’il choisit de s’installer définitivement ; il est l’ami et le voisin de Pierre Bonnard. Henri Lebasque meurt au Cannet (Alpes-Maritimes) en 1937.